Radar abre su programación este viernes en el Laboratorio de Arte Alameda con algunos de los artistas sonoros más importantes del mundo

Desde que Rogelio Sosa tomó la estafeta de Radar el año pasado, una de las novedades más notables y agradecidas fue la incorporación de una exposición de arte sonoro, que inició con Sonic Loud, curada por Guillermo Santamarina y Bárbara Perea y presentada en el Laboratorio de Arte Alameda, con la que iniciaba actividades. Si bien es cierto que dicha exposición pudo traer algunas obras bastante atractivas al público mexicano (como Anthro-Socio, del artista estadounidense Bruce Nauman), también es cierto que estaba hecha con más imaginación y buenas intenciones que otra cosa, trayendo obras que, más que muestras intencionadas de arte sonoro, resultaban, en su mayoría, piezas que podían insertarse en un marco curatorial que exploraba más el espectro auditivo de algunas obras que el fenómeno sonoro en sí. Para resumir, era una exposición interesante, y mucho, que bien valía la pena visitar, pero que no ocultaba estar, por decirlo de alguna manera, hecha con tres pesos.

Con evidentemente más presupuesto y preparación, Radar presenta este año, de nueva cuenta en el Laboratorio de Arte Alameda, la exposición Insideout, curada por el estadounidense Alan Licht, autor de Sound Art: Beyond Music, Between Cathegories, libro que desde su aparición se convirtió en una referencia obligada del arte sonoro. Alan Licht (New Jersey, 1948) se ha desempeñado durante un buen tiempo como guitarrista en bandas de rock alternativo y también ha destacado como compositor y solista.

Insideout, curaduría: Alan Licht; Laboratorio de Arte Alameda

Inauguración: Viernes 13 de Marzo, 20:30 hrs

Entrada Libre

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El Festival arranca este jueves 12!

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Mike Patton, tres romanos y una leyenda japonesa de 56 años cierran Radar 8, no hagan preguntas, sólo vayan

Sin más presentación, que Radar inicia actividades este viernes -o sea ya-, señoras y señores, esto es Mike Patton+Zu

Mike Patton, el camaleónico vocalista (capaz de saltar de un estilo y/o proyecto a otro con una versatilidad notable) de grupos como Faith No More, Mr. Bungle o Fantômas (con quien ya se presentó hace cuatro años en Radar), con una discografía grosera, se lanza al escenario con el trío de romanos Luca Mai, Massimo Pupilo y Jacopo Bataglia, que conforman la agrupación de avant jazz Zu. Este proyecto italiano, cuya principal característica es saltar de un colaborador a otro, lleva ya diez años y catorce discos de borrar las fronteras del rock, el metal, el noise y el punk jazz con un conjunto de instrumentos bastante poco común (batería, saxofón barítono y bajo eléctrico). Así, sin mayor explicación, Patton y Zu decidieron crear un ensamble para jugar juntos con las posibilidades del sonido. Y básicamente, sin querer mejorar la expectativa de su presentación (que de por sí ya es enorme, siendo el concierto más esperado de esta edición de Radar 8), podemos decir que eso es todo, cuando se suban al escenario, un trio que logra sacar hasta el último sonido de sus instrumentos y una voz con un nulo sentido de la palabra límites se juntarán para darle una definición a la palabra rasposo o catártico. Y es que, cada uno por su parte, Patton y Zu han logrado, en su carrera, llevar tan al extremo el sonido de sus propios estilos e instrumentos, que lo han rebasado hasta dejarlo irreconocible, difícil, áspero y rijoso; la palabra “vocalista” suena anticuada cuando uno escucha lo que Patton ha logrado redimensionar en su trabajo, y la idea de un trío de jazz necesariamente se queda corta, casi a la altura de una banda de bar, cuando uno escucha lo que este trío de romanos es capaz de hacer con sus instrumentos semi acústicos.

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Trio Medieval

Estuve platicando con unos amigos que me confesaron que el título de Música Medieval les daba un poco de susto. Pero apuesto a que eso se debe a prejuicios de nuestras clases de música de la secundaria, donde la "música clásica" era una cosa indigerible, sólo apta para aquellos que lograban descifrarla; ya no digamos de la música Medieval, porque nadie sabe nadie supo cómo sonaba.

Los que aún piensan así no saben lo que se están perdiendo. ¿Y cómo descubrirlo? He aquí la respuesta: TRIO MEDIEVAL.

Si nos alejamos de los prejuicios, la Medieval es una de las épocas más apasionantes y misteriosos de la historia musical.

La música, a diferencia de otras manifestaciones artísticas, sucede en el momento y no se vuelve a repetir, y lo que la hace perdurable son los registros gráficos o "partituras" –por llamarlos de algun modo– de aquellos tiempos. Todo lo que conocemos lo sabemos por interpretaciones.



















Se sabe que en la Edad Media eran comunes los cantos y bailes. La música era profana y popular, la gente se divertía con ella en las calles, celebraciones y jolgorios, pero no se tiene mucho registro. En el siglo XII empezó el movimiento de troveros y trovadores, que eran compositores nobles (pertenecientes a la clase noble, no confundir con la nobleza de corazón con la que muchos trovadores nos tratan de vender discos actualmente) además de ser poetas e intérpretes de sus propia obra.


Afortunadamente, para los amantes de escuhar nuevas sonoridades –y no sólo me refiero sólo a Radar, sino a la música de la que tal vez nunca o pocas veces tenemos la oportunidad de apreciar en vivo– el Festival de México trae un festín: Trío Medieval. Una probadita de su música AQUÍ.

Son tres sopranos noruegas dedicadas a la interpretación de música medieval, música contemporánea y música folklorica noruega.

Anna Maria Friman, Linn Andrea Fuglseth y Torunn Østrem Ossum han logrado fama mundial a tal grado que grandes compositores contemporáneos como Gavin Bryars (que también viene al festival), Ivan Moody, Andrew Smith y Oleh Harkavyy han escrito obras para este trío.

Con su segundo disco, Soir, Dit-Elle (La tarde dijo), estas chicas se posicionaron en la lista de los diez discos más vendidos del Billboard durante diez semanas seguidas. Con su tercera producción Stella Maris (2005) lograron combinar repertorio sacro con música contemporánea del coreano Sungji Hong (1973), y su cuarta producción Folk Songs (2007) fue nominada al Grammy en la categoría de Mejor Interpretacipon de Música de Cámara.

Greg Sandow escibió en The Wall Street Journal: "Cada una de las voces de estas tres mujeres es distinta y aún así aparecen mezcladas muy cercanamente... Un oscuro silencio en torno a ellas. Creo que el grupo quita el aliento, vívido, calmo pero nunca pacífico, listo a cada momento para brindarnos una sorpresa”.

¿Alguna razón para perdese de estos conciertazos? No.

Las citas son el miércoles 25 de marzo a las 20:30 hrs. en el Templo de Regina Coelli (con el programa Salve Mater) y el jueves 26 de marzo a las 20:30 hrs, en el Patio del MIDE Museo Interactivo de Economía (con el programa Folk Songs).

Surrealismo à la Nurse With Wound

Steven Stapleton // Nurse With Wound

La segunda jornada de Electrónica Experimental de Radar trae en esta ocasión a un compositor mexicano generando video y sonido a la vez, un estadounidense extremadamente sutil aunque no por eso menos escandaloso y a una de las referencias obligadas, consagradas y de culto de la música experimental de los últimos treinta años por primera (y quizá única) vez en México: Guillermo Galindo, Daniel Menche y la legendaria banda británica Nurse With Wound. Así que al grano...

Guillermo Galindo en acción

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Gavin Bryars

En los años 60, el contrabajista Gavin Bryars tuvo sus inicios musicales en el jazz (desde el más traducional hasta el free jazz e improvisación libre) al lado del guitarrista Derek Bailey y del percusionista Tony Oxley. Pero no estaba contento con lo que tocaba, algo le faltaba, así que empezó a componer.

Esa búsqueda, así como la influencia de nuevas tendencias musicales que se gestaban a su alrededor, lo llevaron a tomar clases por un breve tiempo con uno de los integrantes de la New York Scool: el mismísimo John Cage. Y entonces nació el magnífico Bryars que estaremos viendo en escasas dos semanas, ¡yupi!

Minimalismo es una palabra que podría definir dos de sus obras más importantes, las cuales podremos escuchar, respectivamente, el 18 y el 20 de marzo:

The Sinking of the Titanic (El naufragio del Titanic, 1969). Uf, la belleza a partir de la tragedia. Es una obra que permite a los ejecutantes tomar una variedad de sonidos relacionados con el naufragio del Titanic e intergrarlos de manera aleatoria. La improvisación tiene un papel importantísimo a partir de secuencias no estructuradas. John Cage, el minimalismo y sus inicios en la improvisación son puntos claves en la construcción de esta obra.




La segunda obra que escucharemos será Jesus' Blood Never Failed Me Yet (La Sangre de Jesús nunca me ha fallado todavía, 1971) que es mada más y nada menos que el loop musical de un vagabundo cantando este himno. En el inicio de cada loop se van integrando ricas y sutiles armonías, que van creciendo graduamente y luego se van desvaneciendo para el final de la obra.





¿Alguien se acordó de Brian Eno y su Música para Aereopuertos en una edición pasada del Festival? ¡Sí! Estos dos musicos minimalistas se involucraron y se influyeron mutuamente en más de un proyecto. Brian Eno fue miembro de la Portsmouth Sinfonia, una orquesta que buscaba intérpretes que, según Gavin Bryars (miembro fundador), "abarcaran la totalidad de la competencia musical". Y Obscure Records, casa discográfica de Brian Eno, fue la encargada de publicar los siguientes trabajos de Gavin Bryars.

Dos conciertos que NADIE debe perderse:

Miercoles 18 de marzo / 20:30 hrs / Patio principal del Club de Banqueros.
Viernes 20 de marzo / 20:30 hs. / Teatro de la Ciudad.

Daydreaming con Oren Ambarchi

Oren Ambarchi

Ya viene el ciclo de Electrónica Experimental en Radar, uno de los más esperados y quizá el que cuenta con los adeptos más fieles, desde los días de Decibel en que el ExTeresa que prometía caerse a la menor provocación, hasta aquella presentación en el MIDE en la que, más que escenario, la tarima parecía un laboratorio lleno de juguetes, guitarras, pedales, cajas llenas de plugs, micrófonos, tornamesas y proyecciones de video en vivo.

Todo indica que la noche del 19 de Marzo será algo muy parecido a eso.

Oren Ambarchi (Sydney, Australia, 1969) es el plato fuerte de esa noche de jueves. Compositor y multiinstrumentalista, su trabajo se ha centrado principalmente en la investigación de los sonidos de la guitarra, logrando experiencias audibles en las que ya no se puede reconocer el instrumento en cuestión. Lo que se percibe es un sonido completamente nuevo, inidentificable, abstracto, y sobre todo, sumamente leve...

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